ESPECTACULOS

De menor a mayor. Así se puede calificar el derrotero de Tame Impala, que será uno de los actos principales del Lollapalooza Argentina 2023, la octava edición local del festival que se llevará a cabo los días el viernes 17, sábado 18 y domingo 19 de marzo en el Hipódromo de San Isidro.

La idea de ir de menor a mayor se refiere tanto a la trayectoria artística del proyecto del australiano Kevin Parker, como también al crecimiento de su popularidad en la Argentina. Porque así como Innerspeaker (2010) y Lonerism (2012) mostraban a un grupo que prometía pero al que le faltaba un golpe de horno; Currents (2015) y The Slow Rush (2020) de entrada se establecieron como clásicos del rock y pop de las décadas del ’10 y el ’20 del siglo XXI.

El mismo razonamiento puede aplicarse para sus shows porteños. Niceto, Vorterix, Mandarine Park, y un inolvidable show en el Lollapalooza 2016 mostraron a un Parker que, parafraseando a Lou Reed, “creció en público” tanto en función a la popularidad como a la calidad artística de su música.

Fractura de cadera

Poco antes de su show de este sábado 18 a las 20:45 horas, Parker sufrió la fractura de su cadera por “estrés exigente” mientras corría una media maratón, un kilómetro antes de llegar a la meta.

La lesión, que incluyó una intervención quirúrgica en la zona, jamás puso en duda su participación en el evento, tal como enseguida se ocupó de aclarar a través de la cuenta de Instagram de Tame Impala, donde subió fotos y videos de la operación.

Su show del pasado fin de semana en la ciudad de México, donde salió a escena con muletas y tocó su guitarra sentado, situación que se repetirá en la Argentina, disipó cualquier duda al respecto.

Desde algún lugar de la ciudad de Buenos Aires, una computadora sin imagen de video nos permite escuchar a Parker antes de su show en el Lolla. Así fue su diálogo con Clarín.

El furor local

-¿Nos podés contar sobre el show del Lollapalooza, o preferís que sea una sorpresa?

-(risas) La Argentina es uno de los lugares más movilizantes a la hora de tocar, por lo apasionado del público en función de la música. Es uno de los lugares en donde más veces toqué a lo largo de mi carrera, y con cada show que dimos recibimos cada vez más amor. Siento su compañía en cada visita y la verdad que los siento como amigos cercanos.

-¿Qué nos podés contar de «Wings of Time», tu último single, que es parte de la banda de sonido de la película «Dungeons & Dragons: Honor Among Thieves»?

-Hacer canciones para películas siempre implica nuevos desafíos, porque cada película es distinta. Y porque implica un diálogo entre la música y las imágenes. Cuando me pidieron esta canción para Dungeons & Dragons me pareció algo divertido. Respeto mucho las historias de dragones, más allá de que no las consuma. Fue algo que requirió mucho de mi imaginación.

-Dijiste que «Wings of Time» fue una canción permitió desarrollar tu amor por el prog rock de fantasía. ¿Puede haber allí alguna pista para el sonido del próximo disco de Tame Impala, teniendo en cuenta que «The Slow Rush» salió hace ya tres años?

-Para mí los discos deben tener un sonido distinto. The Slow Rush fue el disco que tenía que producir en ese momento, con canciones que a su modo sonaran diferentes. Todas mis canciones deben tener un groove, que puede venir del hip hop, del R&B o del rock and roll. Encontrar ese movimiento sonoro es lo que más me excita.

-¿Pero hay una pista del nuevo disco en «Wings of Time»? ¿O no querés hablar y preferís que sea una sorpresa?

-Prefiero que el sonido del nuevo disco sea algo inesperado, como cuando hablé de prog rock. Me parece que así las cosas son mejores.

Un tema para los Minions

-¿Cómo fue trabajar con Diana Ross en «Turn Up The Sunshine», la canción incluida en la banda sonora de «Minions: Rise of the Gru»? ¿Es tu hija fan de los Minions?

-La verdad es que no la conocí personalmente, ya que fue un trabajo que hicimos en plena pandemia. Fue algo loco, porque escribí una parte de la canción y escuchar a ella cantarla sin verla me pareció algo muy extraño. En cuanto a mi hija, es demasiado chica para ser fan, pero estoy seguro que más adelante lo será.

-¿Cómo sos vos al trabajar en el estudio, sabiendo que en tus últimos discos te encargaste de tocar todos los instrumentos y de producir?

-Me gusta la gente que toca música en bandas, y es algo de lo que disfruto, porque es algo que nos divierte a todos. Pero hay veces que para mí Tame Impala no es algo necesariamente divertido. El estudio es una especie de mundo en donde uno se puede perder, y para mí eso es algo que me satisface. Tomo a los instrumentos como distintos pinceles, y a partir de ahí intento pintar el cuadro entero. Me veo más como un pintor que como un escultor.

MFB

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Raro ejemplo argentino de continuidad como emprendimiento cultural privado, ensamble “de bandera” con nombre regional, la Camerata Bariloche es un sinónimo de calidad musical indiscutida. Sin altibajos artísticos en sus 56 años de historia, el grupo hará este viernes su primera presentación del año en el Teatro Colón en un concierto que contará con algunos ingredientes especiales.

Componen el repertorio la sinfonía para cuerdas n° 10 de Mendelssohn, el concierto para violín, cuerdas y continuo en mi mayor de Bach (con Freddy Varela Montero, su concertino y director, como solista), el Andante cantabile para cello y cuerdas de Tchaikovsky (con Stanimir Todorov) y el divertimento para cuerdas de Bartók.

La noche marcará el retiro de las filas de la orquesta de dos de sus integrantes más antiguos y emblemáticos, que conforman a su vez una de las duplas más queridas del ambiente: el reconocido oboísta Andrés Spiller (que interpretará el concierto para oboe y cuerdas en la menor de Vivaldi) y la extraordinaria violista Marcela Magin, marido y mujer.

Un feliz experimento

Los orígenes de la Camerata se remontan a 1967, y están indisolublemente ligados al nombre del gran violinista, director y docente Alberto Lysy y a otra institución fundamental para la vida artística argentina: el Camping Musical Bariloche, fundado a principios de la década del ’50 por el arquitecto húngaro Jorge Kálmar junto a dos residentes entusiastas de la ciudad patagónica: Max y Linda Rautenstrauch.

Lysy comenzó a invitar a los encuentros de Bariloche (que frecuentaba desde sus inicios) a músicos argentinos y extranjeros que participaban en festivales de música de cámara organizados por él en Buenos Aires, para unir así estas dos experiencias.

En 1967, la sede de la Fundación Bariloche, una entidad creada para estimular la investigación científica, pero en cuyas bases estaba la idea de la igualdad en los procesos de creación entre la ciencia y el arte, se transforma en sala de ensayo del conjunto integrado por estos músicos, y autodenominado Camerata Bariloche.

En septiembre de ese año, la Fundación oficializa la iniciativa con el llamado a concurso para la conformación de un conjunto estable de 15 músicos profesionales liderado por Lysy. Con el concierto del 17 de septiembre en la Biblioteca Sarmiento de la ciudad rionegrina queda inaugurada la vida pública del grupo de cámara más sólido de nuestro país.

Uno de los participantes de ese concierto fue Andrés Spiller (hijo del legendario violinista y pedagogo croata Ljerko Spiller), a quien Lysy había escuchado tocar en casa de sus padres siendo muy chico. Después de actuar varias veces como invitado, en 1974 se incorporó de forma estable al conjunto.

“La deuda es enorme”, dice Spiller, “pertenecer a la Camerata me ayudó mucho en mi carrera como así también mí pertenencia a la Orquesta Sinfónica Nacional, de la que fui oboe solista y subdirector. Estoy en una edad en la que poco a poco voy dejando con mucho agradecimiento por lo vivido algunas de mis actividades. Espero lo mejor para la Camerata, con la que seguiré unido de alguna manera aunque ya no como intérprete”.

Giras, cine y compositores por la ventana

A ese debut local le siguió una serie de presentaciones en Buenos Aires. Tomás Tichauer, entrañable violista y también miembro fundador de la Camerata fallecido prematuramente en 1994, recordaba en una nota publicada en Revista Clásica en 1991 que uno de esos programas, integrado por obras de Purcell, Bach, Vivaldi, Windmann y García Morillo, había convocado a tanto público que habían tenido que hacer entrar a este último compositor por una de las ventanas.

A lo largo de su trayectoria (en la que fue guiada sucesivamente por Lysy, Rubén González, Elías Khayat, Fernando Hasaj y ahora Varela Montero), la Camerata paseó el talento de sus músicos por salas como el Carnegie Hall (Nueva York), la Sala Tchaikovsky (Moscú), el Musikverein (Viena), la Komische Oper Berlin, la Salle Pleyel (París), el Festival de Salzburgo, la NHK (Tokio) y, por supuesto, el Teatro Colón, a lo largo de veinticinco giras por treinta y tres países.

A nivel simbólico, la Camerata es el único ensamble instrumental de cámara argentino masivamente conocido, como consecuencia del espíritu de apertura de sus integrantes, directores y managers. Entre sus más de 2.000 conciertos y actuaciones se recuerdan por ejemplo los que brindó en Parque Centenario ante 75.000 personas y en el Hipódromo de Palermo ante 130.000, con pirotecnia para acompañar la Música para los reales fuegos de artificio de Händel, u otros en lugares tan diversos como cárceles, reservas indígenas y hasta la Fragata Libertad. Incluso llegó a la pantalla grande con los filmes Argentinísima (1972) y El canto cuenta su historia (1976), y brindó espectáculos junto a los ensambles de música y humor Les Luthiers y La Banda Elástica.

De Piazzolla a Jean-Yves Thibaudet, de Martha Argerich a Jean Pierre Rampal, de Eduardo Falú a Jaime Torres y de Frederica von Stade a Mstislav Rostropovich, grandes solistas han actuado y grabado junto a la Camerata, hoy integrada por notabilísimos músicos argentinos y algunos de los mejores músicos extranjeros residentes en nuestro país (como su concertino Varela Montero, los cellistas Gloria Pankaeva y Stanimir Todorov o el violinista Deimir Lulja).

Marcela Magin recuerda que su vínculo con la Camerata se inició cuando aún se dedicaba al violín. Más tarde, al pasar a la viola, fue invitada por Tichauer, con quien estudiaba, a participar de los cursos en el Camping Musical Bariloche, y luego fue convocada a las filas de la Camerata, en la que ocupó el atril de viola solista a la muerte de su maestro.

Hoy, a horas de recibir su último aplauso junto al conjunto del que se transformó en otra integrante emblemática, Magin resume: “Agradecida por todo lo vivido humana y artísticamente, llegó el momento de la despedida”.

POS

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El cineasta estadounidense James Gunn será el director del filme Superman: Legacy, que tiene previsto su estreno en 2025, informó Warner Bros. Pictures por medio de un comunicado.

En enero, Gunn había anunciado que se encontraba trabajando en el guion de la película dedicada al popular superhéroe como parte del proyecto Gods and Monsters con el que DC Studios pretende reiniciar el universo de DC Comics.

Este miércoles se ha revelado también que el codirector de los estudios Peter Safran, será el productor del proyecto que tiene como fecha de estreno el 11 de julio de 2025.

«Mi hermano Matt me dijo que cuando vio la fecha se echó a llorar. Le pregunté por qué y me dijo: ‘Amigo, es el cumpleaños de papá’. No me había dado cuenta», publicó Gunn, codirector de DC Studios, en su cuenta de Twitter.

El comunicado

Según el comunicado, Superman: Legacy mostrará el viaje que emprenderá el superhéroe creado por Jerry Siegel y Joe Shuster, y sus intentos por reconciliar su herencia kriptoniana con su formación humana como Clark Kent de Smallville, Kansas.

«Es la encarnación de la verdad, la justicia y el estilo americano, guiado por la bondad humana en un mundo que ve la bondad como algo anticuado», añade el escrito.

La producción es parte de la primera etapa del proyecto Gods and Monters que también comprenderá títulos como Paradise Lost, una precuela de la mujer maravilla, o la película de Batman, The Brave and the Bold.

El desarrollo de estas producciones responde al interés de los estudios de unificar y conectar de «manera coherente» a los personajes y las historias que forman parte del universo ficticio de los superhéroes de DC Comics.

Gunn y Safran asumieron las riendas de DC Studios en octubre de 2022 y antes del nombramiento el director había trabajado para Marvel con los filmes de Guardians of the Galaxy.

EFE

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Netflix anunció la fecha de estreno de El amor después del amor, la serie basada en la vida de Fito Páez, para el 26 de abril.

Producida por Juan Pablo Kolodziej y Mariano Chihade de Mandarina Contenidos, la nueva serie hecha en Argentina recorrerá 30 años en la historia y el universo del reconocido músico, cantautor, compositor y director de cine argentino, atravesados por el dolor, la pérdida, la tragedia, éxitos, fracasos, excesos, amor, y muchas canciones.

Con ocho episodios, El amor después del amor está protagonizada por Gaspar Offenhenden e Ivos Hochman, quienes en la serie personificarán a Fito de pequeño y de adulto respectivamente.

En la serie también se verán a reconocidas leyendas del rock argentino interpretadas por: Micaela Riera (como Fabiana Cantilo), Andy Chango (como Charly García), Julián Kartún (como Luis Alberto Spinetta), Daryna Butryk (como Cecilia Roth) y Joaquín Baglietto (como Juan Carlos Baglietto). Además, acompañan al elenco Martín “Campi” Campilongo (como Rodolfo Paez, padre de Fito) y Mirella Pascual (como Belia, abuela de Fito).

Esta íntima serie biográfica detalla la vida y la carrera del rosarino, uno de los artistas más importantes de Argentina, y su recorrido musical junto a íconos del rock como Charly García, Fabiana Cantilo, Luis Alberto Spinetta, Juan Carlos Baglietto, y más.

La serie ocurrirá, siguiendo con la explotación de la marca, a exactos 30 años del lanzamiento del disco más vendido en la historia del rock nacional.

En una doble estrategia, la serie coincide con la gira mágica del disco más vendido de la historia argentina, después de anunciar un show en Vélez para el 1° de abril, otro en Mar del Plata para el 7 del mismo mes, conciertos en Buenos Aires, en Córdoba, en su Rosario natal, New York, Orlando, Miami, Madrid, Barcelona, Venezuela, Montevideo y también Santiago de Chile.

¿Qué quiere decir El amor después del amor? Se dice que el título de la obra cumbre habla de la llegada de un momento luminoso después de un período con sombras, en este caso, el fin de su relación con Fabiana Cantilo. El fin de un amor como el principio de otro.

De acuerdo con los datos recogidos por el periodista Marcelo Fernández Bitar, volcados en su libro 50 años de rock en Argentina, la placa de Páez agotó 30.000 copias en dos días y 20.000 más en una semana. Fito llenó diez veces el teatro Gran Rex y, a fin de año, llevaba vendidas 175.000 unidades. 

A mediados de la gira de 1993, Fito era el hombre récord y en ese contexto se le entregó el cuádruple disco de platino y la Asociación de Cronistas del Espectáculo (ACE) lo premió al por mayor en tres categorías: mejor video clip, mejor canción de rock (por Tumbas de la gloria) y mejor disco solista de rock.

Ese 1993 fue el año Páez: realizó 120 shows, incluidos dos en el estadio de Vélez, donde un 24 y 25 de abril llevó casi 85.000 personas.

MFB

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Había una canción editada en 1988 que fue el primer crossover de lo que se llamó college rock, corriente de la que Jane’s Addiction fue protagonista fundamental. El tema, Pop Song 89 de R.E.M. decía en su estribillo: “¿Deberíamos hablar del clima? ¿Deberíamos hablar del gobierno?”.

Ante el saludo inicial de Clarín a Perry Farrell y Eric Avery, que tocarán este sábado en el Lollapalooza con su banda Jane’s Addiction, ellos eligen la variable meteorológica.

“Estamos bárbaros –asegura Perry Farrell-, pero te cuento que hubo lluvias torrenciales por aquí, al norte de donde estamos en Monterrey, y el condado tuvo inundaciones fuertes pero estamos relativamente a salvo aquí. ¿Cómo está el clima por allá?” Farrell abrió grande los ojos cuando se le convirtió la sensación térmica de cuarenta grados del miércoles a grados Fahrenheit. “Bueno, será mejor que no lleve mis sacos de invierno entonces”.

No será esta la primera vez que Jane’s Addiction se presente en Buenos Aires, pero sí será su debut en el Lollapalooza porteño que comienza este viernes. Un festival que fue concebido por Perry Farrell como un evento de realidad rockera aumentada que sirviera como marco para la primera despedida de Jane’s Addiction, que tras dos álbumes de mucho éxito, decía adiós en 1991.

Ni él hubiera previsto que ese extravaganza se convertiría con el tiempo en una de las marcas más importantes y que con solo invocar su exótica denominación, generaría movimientos en las expendedoras de tickets. Más curiosamente: su propio festival, ya crecidito, le permite decir hola a las audiencias sudamericanas en vez del adiós inicial.

Farrell se ríe ante la contradicción y la acepta. “Está bien, en ese momento fue un adiós, y era verdad. Pero los jóvenes se transforman en hombres y, afortunadamente, ganan entendimiento y sabiduría. Personalmente creo que Lollapalooza es hoy uno de los grandes vehículos que tienen los músicos. Un hombre o una mujer joven pueden acceder ahí y conquistar a una audiencia de verdad que acompañará a lo largo de toda una carrera, sino toda una vida».

Y agrega: «Alguien que acostumbra a tocar en pequeños clubs puede encontrar en el Lolla un escenario más grande y probarse frente a una audiencia de veinte mil personas, que con el correr de las horas puede llegar a ochenta mil. Y al haber múltiples escenarios hay cosas para todos los gustos. Para mí es como un vehículo hermoso, como un auto o un avión en constante evolución. Es como un cohete espacial”.

Eric Avery asiente ante las palabras de su compañero de grupo, pero encuentra una explicación diferente: “Creo que Lollapalooza admite una descripción poética, y a mí me gusta verlo como el Nueva Orleans de los festivales. Es colorido, diverso y pintoresco. Creo que para ustedes, el público, debería ser como una celebración de la renovación”.

Aquel college rock de los años ’80

Se podría trazar un paralelo entre lo que es Lollapalooza y lo que fue la corriente del college rock a mediados de los años ’80; una serie de escenas diferentes y alternativas que comenzó a cohesionarse cuando las radios de los campus universitarios de Estados Unidos empezaron a seducir a las audiencias extramuros, que estaban hartos de Michael Jackson, Madonna y Lionel Richie.

Grupos como los ya mencionados R.E.M., Sonic Youth o Pixies traían nuevos sonidos, más crudos y terrestres que los de las hiper producidas superestrellas de la música de los años ’80. Esa configuración fue creciendo hasta que Billboard aceptó crearles un ranking propio en 1988, Modern Rock Tracks, y las radios generales comenzaron a emitir estos raros sonidos nuevos.

En el flujo de la ampliación aparecieron nombres como los de Red Hot Chili Peppers, Faith No More y Jane’s Addiction. Eran otra bandita californiana conducidas por un novel Perry Farrell que hacía shows explosivos en clubes de Los Angeles y que tras un disco en vivo independiente accedió a un sello más grande para su primer álbum de estudio: Nothing’s Shocking. El segundo, Ritual de lo Habitual (1990), los convertiría en super estrellas.

«Hoy es una banda muy moderna»

Los cuatro primero jinetes fueron Farrell, el bajista Eric Avery, el baterista Stephen Perkins (aun con ellos), y el guitarrista Dave Navarro, que fue momentáneamente reemplazado para esta gira por Josh Klinghoffer, que a su vez suplantó diez años a John Frusciante en los Red Hot Chili Peppers.

Jane’s Addiction se disolvió en 1991, pero volvió de la inactividad en varias ocasiones con elenco renovado o no. Parece más un fantasma que una banda que hoy está definida por otros parámetros. “Medir la salud de un grupo –dice Farrell- por si hace un disco nuevo o no, es un parámetro viejo. Yo diría que hoy, Jane’s Addiction es una banda muy moderna”.

“Es más –interviene Avery-, te diría que lo que hoy define a Jane’s Addiction es la música más que la gente que la interpreta. Estamos constantemente trabajando en nuevo material y en Buenos Aires van a poder escuchar parte de él”.

“Estamos en lo último –retoma Farrell-; los otros días nos estábamos riendo con Eric comparando los efectos que utilizamos ahora en el escenario con los que usábamos cuando comenzamos. ¡Qué poca idea teníamos de lo que estábamos haciendo! Desde el punto de vista técnico, no sabíamos nada».

Agrega Perry: «Ahora todo es diferente; recuerdo que en aquel entonces iba a una casa de empeño que tenía cerca y me compraba cosas como una cámara de delay para experimentar con mi voz. Pero lo que más compraba eran artilugios que se veían bonitos, aunque no supiera para qué servían. Creía que se iban a ver bien sobre el escenario. Ahora tengo una consola diseñada especialmente para mí y eso muestra lo lejos que ha llegado la tecnología: te hacen los efectos a medida”.

Imparables

Si el arte imita a la naturaleza, Perry Farrell piensa que se puede vincular a Jane’s Addiction con la literatura. “Mirá a la vida como si fueras a escribir una novela. Tenemos básicamente tres momentos; el comienzo, el medio y el final. Nosotros estamos en el acto final, lo que no significa que vayamos a desaparecer: en el acto final están todas las explosiones»

Y explica: «¿Qué quiero decir con esto? Que en Jane’s Addiction, hoy, podemos hacer lo que nos indique el corazón. No tenemos ataduras ni con las grandes grabadoras ni con el esnobismo crítico. Ya no nos define si hacemos un nuevo disco, porque eso es mirar nuestra carrera con los anteojos de la industria, y realmente hemos destrozado esas lentes, por lo tanto ahora debemos proceder como artistas. Hacemos lo que nos dicta el corazón, y como artista no hay libertad más grande que expresarte del modo que quieras. Eso te hace imparable”.

Charly García fue el que habló del oleaje, de las aguas que vienen y van mientras él ya formaba parte de algo más grande: el mar. Es desde ese punto de vista donde Perry Farrell analiza las circunstancias actuales de la música y se despide con un vaticinio. “Nadie tiene en cuenta el hecho de que el mundo estuvo detenido casi por tres años. La gente esperaba que las cosas volvieran a ser como fueron, pero eso no puede ser así. Ahora tenemos esa sensación de que la tormenta ha pasado, pero si miramos un poco atrás podemos descubrir que los músicos tuvieron casi tres años para tomar sus instrumentos y hacer cosas nuevas».

Enseguida amplía: «Ya está perimida la idea industrial de encontrar alguien con un buen culo, y ponerle a un compositor que le escriba canciones para un video de 70 mil dólares. Hoy la industria musical está organizada como en silos, y nosotros no somos parte de ese silo llamado música pop. Nunca nos interesó que nos dieran un trofeo por lo que hicimos. Mi consejo para los grupos nuevos es no poner el corazón en cosas que carecen de importancia. ¿Qué es lo importante? Es hacer música hermosa que la gente pueda utilizar como medicina para su alma».

Y concluye: «Estamos en el punto en que todo es un gran experimento otra vez, como la democracia. Durante la pandemia los músicos se volvieron científicos, y experimentaron con su equipamiento, analógico o digital. Entonces en los próximos tres años va a haber una nueva explosión de músicos que van a salir a la calle, y vamos a estar nosotros, los mayores, como para guiarlos. Los próximos años van a ser maravillosos y quizás, esta vez sí, podamos transformar el mundo. A esta era, la llamo la Era del Mensaje. Y ahora sí vamos a poder divulgar el mensaje de la paz, el amor y la hermandad como nunca antes. Va a ser sorprendente”.

MFB

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Robert Pattinson está entre nosotros. El astro de la saga Crepúsculo y el último Batman estuvo comiendo en la parrilla Don Julio, en el barrio de Palermo.

El actor vino a la Argentina por un motivo en particular. No, no es para promocionar una película, sino para acompañar a su novia al Lollapalooza.

Pattinson llegó con Suki Waterhouse, la modelo, actriz y cantante, que se presentará el primer día del Festival, o sea este viernes. Gran amiga de amiga de Cara Delevingne, lo hará por la tarde, en el escenario Samsung, de 15.15 a 16.

Así que, ya saben los fans de la estrella dónde pueden encontrarlo… Suki cantará temas de su álbum I Can’t Let Go (2022).

Waterhouse también es actriz, actualmente se la puede ver en la serie Daisy Jones & The Six, en Amazon Prime Video. En la producción sobre una banda ficticia de los años ’70, con bastante anclaje en los Fleetwood Mac, Suki interpreta a Karen Sirko, la tecladista inglesa. En la serie, de 10 episodios, también trabaja Camila Morrone (ex de Leonardo DiCaprio), como Camila Dunne.

Y en cine la dirigió Woody Allen, en Un día lluvioso en Nueva York (era Tiffany), al lado de Timothée Chalamet, Elle Fanning y Selena Gomez. 

Pareja ya oficial

El londinense Robert Pattison y Suki Waterhouse comenzaron a salir allá por 2018, y se mantuvieron al margen de las cámaras.

Ambos británicos, el protagonista de Batman, de 36 años, y la cantante y modelo, de 31, se mostraron por primera vez juntos en la alfombra roja del desfile de la nueva colección otoño-invierno 2023 para caballeros de Dior. Fue el 3 de diciembre pasado, en Giza (Egipto).

Pattison, que es conocido por ser extremadamente discreto con respecto a su vida personal, solo ha comentado en contadas ocasiones sobre su situación sentimental. «Si dejás que la gente entre en esa zona, en ese terreno, devalúa lo que es el amor. Si un desconocido en la calle te preguntase sobre tu relación, pensarías que es muy maleducado», explicó en una entrevista con el diario The Sunday Times, «Si pones un muro, estás mejor».

El actor sí ha hecho alguna referencia a «su novia», con quien convive, pero no mucho más que eso. Ella dijo a The Times: “Estoy sorprendida de estar tan feliz con alguien durante casi cinco años… Siempre me emociono cuando veo su nombre aparecer en mi teléfono, o incluso un mensaje de texto, y creo que él siente lo mismo por mí. Siempre tenemos mucho que decirnos”.

Quién es esa chica

Suki Waterhouse empezó su carrera como modelo, luego de que un cazatalentos la descubriera en un pub en Londres. Tenía casi la mitad de edad que ahora: 16 años. Ha aparecido en las tapas de la edición británica de Vogue, Elle y Tatler, y desfiló en la pasarela con marcas como Burberry, Alexander Wang y Balenciaga.

Waterhouse ya tuvo otras parejas famosas. Estuvo saliendo durante dos años con el músico Miles Kane, relación que terminó hace una década, en 2013. Ese mismo año, conoció al que era el más famoso de sus parejas: el actor Bradley Cooper. También estuvieron juntos por espacio de dos años. En su momento, el actor de Nace una estrella tenía 37 años, y ella, 20, pero la diferencia de edad entre ambos nunca fue un problema.

Luego, por 2016, Suki Waterhouse estuvo saliendo por un año con el actor mexicano Diego Luna. Fue en 2016, se conocieron rodando Amores caníbales, dos años antes, como dijimos, de conocer a su pareja actual, Robert Pattison.

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Talentoso, controvertido, bestial. El escritor y poeta Enrique Symns murió a los 77 años. Su salud venía estando deteriorada desde tiempos inmemoriales. «Parece fácil morirse, pero a mí me está costando«, dijo en una de sus últimas entrevistas.

Según contó Sebastián Duarte, compañero de redacción en la troupe de la Cerdos, «la diabetes fue su gran demonio, lo que lo perturbó durante años. Y los excesos no ayudaron, dejando expuesto a un cuerpo castigado».

Amigo y crítico de los Redondos

Se hizo famoso como director de la mítica revista Cerdos & Peces, pero también por su amor-odio con el Indio Solari, a quien se animó a criticar como nadie nunca jamás en la iglesia del rock. Antes fueron amigos y Symns hacía monólogos tipo stand-up en los primeros míticos shows de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota.

Y continuó: «Calamaro​ y un puñado de amigos lo ayudaron sobremanera en los últimos años. Gente generosa».

Symns llegó a tachar de «asesino» al Indio Solari cuando acusó ferozmente al cantante de los Redonditos de Ricota por su actitud tras la muerte de Walter Bulacio, asesinado por la Policía luego de un show de la banda.

Escribió en su Cerdos & Peces, empujado por furiosos huracanes de su mente. «Lo mató un policía pero a ese repugnante tipo lo contrató la banda y siempre el que paga tiene más responsabilidad que el contratado», dijo por escrito.

La noticia rebotó en redes. Nacional Rock, la radio, posteó: «Lamentamos informar el fallecimiento de Enrique Symns, escritor, periodista, fundador de la revista Cerdos & Peces y monologuista de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota en la década del ochenta. Buen viaje, Enrique».

Un faro del under

Symns fue un faro del under porteño y del periodismo contracultural. Nuestro Bukowski. Un pedazo de historia, cuya oscuridad funcionó como boca de expendio de fascinantes vómitos de alta literatura.

Como no podía ser de otra manera, fue autor de El señor de los venenos, donde el autor hacía honor de su lengua bífida narrando su viaje por los bajos fondos; contando sus proyectos editoriales revolucionarios. Se ha dicho: «Su ambición y lucidez le permite ponerse a la par de escritores malditos Burroughs o Hunter S. Thompson».

«Yo estaba distraído esa noche porque había conseguido sentarme en la mesa de la ventana, con mi ginebrita, para mirar el mejor paisaje del universo: la llegada y partida de los trenes».

Cualquier cosa que pasara por su pluma era interesante. Correr lo límites era su diversión favorita. Symns también trabajó para Satiricón, El Porteño, Eroticón y el legendario semanario chileno The Clinic, entre otros.

«La fórmula del hechizo que provocan sus escritos es la contraria: no es tanto lo que cuenta, sino su manera venenosa de manejar el lenguaje lo que los hacen cautivantes», dijo la escritora Marina Mariasch.

Su vida incluyó capítulos de tránsito por cárceles, tráfico de droga, escenas de sexo heterosexuales dignas de Rocco Siffredi, cuentos crueles, relatos de reviente y su tumultuosa relación con el rock nacional.

«La sed es lo que no existe y es lo que te hace sentir que la vida es un solo instante, que viene y que después ya no va a estar. La vida es una cosa muy miserable, muy repugnante, es simplemente comer, cagar y dormirse: nada más».

MFB

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Gonzalo Julián Conde, más conocido mundialmente como Bizarrap, llegó esta mañana al país, y en Ezeiza se cruzó con Scrillex y Perry Farrell, entre otros músicos que llegaron para participar de la nueva edición del festival Lollapalooza Argentina.

Perry Farrell, creador del Lollapalooza, tocará este año en uno de los escenarios junto a su legendaria banda Jane’s Addiction, el sábado a las 15:45 horas.

Scrillex estará el domingo 19, para el cierre de la última jornada. Sonny «Skrillex» Moore ya había estado en Lollapalooza Argentina 2015, donde dio un set impactante. Ahora llegará a pocos días de lanzar su segundo álbum, Quest for fire, su primer lanzamiento «full» en casi una década. En el medio, trabajó con los principales artistas del momento, como Justin Bieber, J Balvin, Ed Sheeran y Diplo.

Bizarrap, por su parte, también se encontró con la noticia que se agotaron las entradas para su segunda fecha en el Hipódromo de Palermo. Ya había agotado en apenas media hora su concierto del 20 de abril y hoy jueves agotó la del día 21. Aún no se sabe si agregará otra fecha más.

MFB

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Luego de varias idas y vueltas, se confirmó la llegada de Marcelo Longobardi a las mañanas de Radio Rivadavia, El periodista conducirá, de lunes a viernes, el segmento de 6 a 10 en la AM del grupo Alpha Media. La fecha de su primer programa será el lunes 27 de marzo.

De esta manera, la AM630, oficializó el desembarco de Longobardi en la primera mañana de la histórica emisora con su tradicional ciclo Esta Mañana.

En el programa el periodista estará acompañado de un gran equipo de colegas y colaboradores, entre ellos Willy Kohan, Ignacio Ortelli, el doctor Claudio Zin, Maite Peñoñori, Romina Aldana, José Gabriel Carbajal y Ariel Tarico, en distintos rubros.

El regreso de Longobardi a la radiofonía argentina ha generado gran expectativa y entusiasmo entre sus seguidores ya que, con más de 40 años de experiencia en el periodismo, es considerado uno de los periodistas más reconocidos de nuestro país.

Un año político

El regreso de Marcelo Longobardi a Rivadavia argentina se da en un año electoral como este 2023, en donde la actualidad política y social del país está en primer plano para el debate y la opinión.

El periodista, que fue líder de la primera mañana de la radio con Radio 10 y Mitre AM durante los últimos 20 años, dejó esta última emisora en 2021. Su despedida entonces, estuvo teñida de emoción. «Es una decision muy compleja y traumática de tomar, producto de cuestionamientos personales muy profundos», aseguró entonces.

«Todos aspiramos en la vida a hacer algo. Líder de algo. No importa de qué. De una radio, una fábrica, una verdulería o una familia. Todos procuramos ser algo. Y yo tuve el privilegio de lograrlo. Y conviví con esta situación varios años», agregó.

Reflexionando sobre su paso por la emisora concluyó: «No fui tan importante, pero espero haber sido algo útil. El éxito no es de uno y en algún momento se tiene que devolver. Nadie es indispensable».

Su paso por CNN Radio

Más tarde, en marzo de 2022 anunció su llegada a CNN, donde arrancó con su ciclo, también matutino, el 11 de abril de ese año.

Sin embargo, su estadía en CNN no llegó a cumplir un año. Y la última vez que estuvo al frente de su programa fue el lunes 30 de enero pasado. Al día siguiente solo estuvo 10 minutos porque su mujer había sufrido un accidente.

El paso de Longobardi por CNN Radio, a pesar de la fuerte campaña de lanzamiento, no logró repuntar como se esperaba y tampoco pudo competir de igual a igual con Eduardo Feinmann, que se quedó con el espacio que dejó vacante en Radio Mitre.

Por eso, su actual pase a Rivadavia le daría una mayor posibilidad de pelear por los primeros puestos y recuperar la audiencia deseada.

Radio Rivadavia, por su parte, además de incorporar a Longobardi en el segmento más competitivo de las AM (que ocupó temporariamente Ari Paluch) de 6 a 10 de la mañana, reestructuró su programación con otras figuras radiales.

Entre ellos,  Jonatan Viale de 10 a 12 (en vez de hacer 15 a 17), Baby Etchecopar de 12 a 14 (en vez de 12 a 15), Cristina Pérez de 14 a 16, Nelson Castro de 16 a 18, Luis Majul de 18 a 20, y Ari Paluch de 20 a 22.

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